Art basel miami2020 con tracce di Firouz Farmanfarmaian

In occasione di Art Basel Miami 2020,  la mostra: Tracce di Firouz FarmanFarmaian è una mostra al Palais Aziza- in VR-realtà aumentata. Curata dall’agenzia We r Nomad con la Janet Rady fine Art di Londra, Nouvelle Vague galleria di Sotogrande e la Fondazione Kebira di San Francisco.

Il Live talk di arte per discutere della mostra e delle passate e future collaborazioni, sulla multipiattaforma TRACES VR & Augmented. Sulla pagina Instagram:@firouzfarmanfarmaian venerdi 4 dicembre 2020 @7pm CET/ 1pm ora del MIAMI.

Traces vr è una mostra in realtà virtuale dell’artista persiano multidisciplinare Firouz FarmanFarmaian, la retrospettiva fisicamente è in corso al Palais Aziza e spa – Palmeraie di Marrakesh – arricchita dall’inedito video d’arte soundwalk. Il film ci porta in un viaggio musicale-narrativo e visivo nelle esplorazioni memoriali di FarmanFarmaian tra le mura del favoloso Palais Aziza di Marrakesh.

Le opere create per questa mostra, di una modernità classica, sono come anime di passaggio alla ricerca di una verità, di una storia… Le opere, che sembrano quasi muoversi in uno spazio infinito, sono così vere che manca loro solo il respiro, al di là dell’esperienza dei sensi… Potremmo presto ammirarle dal vivo e qui on line in questo momento.

Originariamente lanciato privatamente a fianco della 1-54 Marrakesh Art Fair nel febbraio 2020 come estensione della monumentale installazione di FarmanFarmaian al “Théâtre Royal” nel programma pubblico della Fiera – le mostre sono state onorate da persone di alto profilo a cui hanno partecipato tra cui : sua Maestà Farah Diba, Lady Penny Mountbatten e Vanessa Branson con una donazione a favore della Project Soar Foundation di Maryam Montague per l’emancipazione delle giovani ragazze in Marocco.

Curato fisicamente e digitalmente dall’ agenzia We r the nomad sulla piattaforma Nouvelle vague, include collaborazioni crossover con Janet rady fine art estendendo la mostra alla sua selezione specializzata e curata sulla pagina JRFA Artsy e con la Fondazione Kebira di San Francisco, alla quale sarà devoluta parte dei fondi relativi alle vendite online a sostegno degli artisti marocchini che soffrono della chiusura per covid19.

La mostra VR include Talkhimt-Tadounit a 9:58′.
la colonna sonora creata da FarmanFarmaian nella nuova piattaforma sperimentale FORRM

Intervistiamo l’artista Firouz FarmanFarmaian:

1-Come inizia la sua carriera artistica? Il tuo punto di partenza?

La mia prima opera d’arte è entrata nella collezione di mio padre Tino nel 1989 ed è ancora appesa nella sua sala di lettura di Marrakech. Lo raffigura sul suo cavallo che gioca a polo e si chiama semplicemente “Polo Player”. Lo seguivo alle sue partite a Sotogrande quando tornavo dal collegio parigino, in vacanza, a sud della Spagna. Facevo uno schizzo seduto vicino al campo e poi tornavo alla nostra villa di Marbella e mettevo le scene su una tela di medie dimensioni con olio denso che gettava i cavalli, i giocatori, il gioco. Era tutto movimento furioso, colore, impatto – intensamente appassionato.
Mi sono sentito vicino a Monet e Van Gogh fin dall’infanzia grazie alle prime visite al museo d’Orsay e al museo Marmottan. Crescere a Parigi sotto la guida di mio nonno – il grande architetto persiano Aziz FarmanFarmaian – ha avuto i suoi vantaggi. Quando si è presentata l’opportunità di dipingere, ho voluto esprimere il mio fascino per le tavolozze impressioniste attraverso vivaci scene di polo, e da lì mi sono evoluto. Un coinvolgimento attivo nella scena dei graffiti parigini – entrato a far parte del collettivo Artistes Associés all’età di 16 anni – mi ha fatto sperimentare con l’arte spray, girando per i sobborghi parigini nel cuore della notte dipingendo in lotti vuoti e – spesso illegalmente – nei vagoni della metropolitana. Ha consolidato uno stile, un senso di immediatezza performativa – di urgenza – nel trattamento della linea, coinvolgendo le curve della pop-art e le allusioni grafiche stilistiche che da allora sono appese alla mia cintura di lavoro.

A un certo punto ho riportato su tela quello che avevo raccolto per strada – attraverso una serie di acrilico urbano post-graffiti, la Squash Metro – ma ho continuato a dipingere Polo, creando un primo portfolio di clienti, mettendo all’asta a Drouot a 18 anni e collocando un pezzo presso la sede della Banque Lazare, avenue Montaigne. A quel punto, ho superato il mio diploma di maturità e mi sono iscritta alla scuola  speciale s’Architettura di Montparnasse per due anni, esaudendo il desiderio iniziale di mio nonno. Ma dopo un anno di transizione per studiare Arti Grafiche alla scuola di design di Penninghen, nel quarto di latino, ho sorpreso molti – alcuni si sono arrabbiati – a biforcarsi per esplorare nuovi territori creativi e sperimentare nuovi media. Si trattava prima di un film e poi del suono. Fin dall’inizio ho immaginato la mia carriera come una piattaforma creativa multivalente.

2- Oggi l’arte è spesso rielaborata e rivisitata… cosa ne pensi? A chi si ispira? qual è per lei lo strumento essenziale per comprendere il suo mondo contemporaneo?

L’artista newyorkese Carroll Dunham una volta ha detto qualcosa del tipo: la vera arte è arte ben rubata. Picasso sarebbe d’accordo. Il cubismo ha rubato l’arte tribale africana per una cosa. Dovremmo riflettere sul fatto che le coincidenze creano grandi cambiamenti e che gli errori sono fondamentali. Bacon aggiunge che ogni buona opera d’arte è costruita su strati di errori di successo.
Negli ultimi sette anni ho imparato molto osservando l’approccio multistrato di Gerhard Richter, a partire dai suoi dipinti fotografici di Beirut fino ai suoi monumentali pannelli astratti di Cage. Accanto a Richter dedico molto amore all’artista americano Cy Twombly. Lo considero il vero pittore post-impressionista/post-espressionista del nostro tempo, che si è evoluto all’interno di un favoloso stile di vita toscano, sviluppando al contempo un fruttuoso rapporto artista-gallerista con il mercante d’arte armeno-americano Larry Gagosian – cosa rara. È andato a dipingere pannelli monumentali esplosivi ispirati al mondo naturale fino ai suoi ultimi giorni.
Dei miei contemporanei sono stato attratto dall’approccio prismatico e intellettualizzato dell’artista colombiano Oscar Murillo. Ma anche dalla serie sequenziata di arte + musica dell’artista newyorkese Bob Bradley, dall’uso grandioso dei tessuti di Sterling Ruby che, senza soluzione di continuità, riversa il suo tocco nell’industria della moda. Innamorato delle installazioni nomadi senza confini dell’artista coreano Kimsooja e dell’arazzo dello scultore Ganese El Anatsui come le installazioni tribali di stoffa. Altrettanto essenziale, il pensiero del maestro marocchino Mohamed Melehi, simbolo del movimento scolastico Afroberberberber Casablanca degli anni Sessanta che si sforzava di integrare l’artigianato tribale nella pratica artistica contemporanea. In questa precisa questione, mi ricollego all’idea del Vattan – patria in persiano – e alla mia stessa tribù. Sono cresciuto sotto la brillante presenza di mio nonno Monir Shahroudy Farman-Farmaian, il più importante artista iraniano del periodo contemporaneo che ha raggiunto una pratica artistica che sposa i motivi geometrici e le tecniche del mosaico di vetro tagliato del nostro patrimonio iraniano con i ritmi dell’astrazione geometrica occidentale moderna – collegando la tradizione e l’artigianato con il meglio che l’arte contemporanea ha da offrire. Credo che per elaborare il futuro dobbiamo lavorare per rafforzare le tracce invisibili della memoria.


3 – Tutta la tecnica personale quanto è importante l’idea e quanto è importante la manualità, e da dove inizia tutto?

Quando ho superato il mio baccalaureato di filosofia mi è stato proposto di sviluppare un argomento su quale dell’artista o dell’artigiano è venuto prima. La domanda mi ha seguito. Sono cresciuto affinando e definendo le mie capacità di disegnatore con il tutoraggio di un architetto del Bauhaus, formatosi nelle Belle arti parigine del dopoguerra e del dopoguerra, dove l’eccellenza del “tratto” – della linea – è centrale. Da adolescente mio nonno ha fatto mio fratello Teymour – che è andato a diventare un fantastico Architetto – e io disegno innumerevoli colonne ioniche, doriche o corinzie che incorporano un senso di classicità nel nostro approccio. Negli anni in cui ho studiato architettura, mi è piaciuto molto disegnare il Louvre, Venezia o i nudi classici. In questo senso ho un approccio classicista alla questione. Credo che la padronanza della manualità offra una solida base per sviluppare costrutti concettuali d’impatto. Le idee come proiezioni geometriche nello spazio sono schizzi mentali organici.

Per quanto riguarda ciò che viene prima, il processo può variare da un artista all’altro. Nel mio caso, fino alla scuola d’architettura, la finalità era quella di soddisfare i risultati visivi. Una volta dentro, l’approccio concettuale ha preso il sopravvento mentre mi veniva insegnato come progettare, produrre e realizzare un progetto dalla carta alla pietra. Qui sta la vera fonte del mio rispetto e dell’amore per l’artigianato. Vedi, come architetto hai bisogno di collaborare con numerosi corpi e ti conviene sapere che sono i tuoi migliori alleati. Ho tenuto chiusa questa idea il giorno in cui ho attivato progetti di collaborazione che coinvolgevano tradizioni arcaiche in via di estinzione di donne-tessitrici tribali. Sono Guardiani della Memoria come la poetessa-assayista libanese Sophie Abou Chahine, amica libanese, ha scritto splendidamente nell’introduzione del catalogo della mostra Permanence of Trace. Questa recente mostra londinese del 2019 ha presentato i miei pannelli Talismani, opere d’arte contemporanea dipinte e tessute su tessuto di tende nomadi, liberamente ispirate all’eredità cosmogonica berbera e marocchina. Sono stati prodotti in collaborazione con le donne tessitrici Amazigh di Tangeri attraverso l’ANJRA, un’associazione regionale che difende i diritti delle donne tessitrici. Man mano che vado avanti, la conversazione tra artigianato e arte si intensifica ad ogni passo.

4- Qual è il significato della sua esperienza creativa con questa mostra virtuale?

TRACES VR & Augmented è una retrospettiva evolutiva costruita come una conversazione intorno a tre temi centrali: la memoria, il post-tribale e la presenza delle donne nel mio lavoro. Curata da We R the Nomads, questa edizione di realtà virtuale è stata lanciata in occasione di London Frieze Digital 2020, venerdì 9 ottobre, in concomitanza con una conferenza d’arte Zoom seguita da una visione virtuale dal vivo moderata da Janet Rady Fine Art di Londra, che ha coinvolto gli ospiti Daniela Spoknik del Palais Aziza Marrakech e Sveva Manfredi Zavaglia, curatrice e Art Advisor di Roma. Ma, inoltre, la vedo anche come una rete intrecciata di iniziative creative e di amicizie transfrontaliere che vanno avanti e verso la stessa direzione, in risposta a circostanze planetarie impegnative. Ospitato sulla piattaforma Nouvelle Vague Artspaces VR, prevede una collaborazione a più livelli con Daniela Spoknik del Palais Aziza, con la quale io e mia moglie Camilla – come We R The Nomads – abbiamo collaborato originariamente alla curatela della mostra fisica TRACES a Marrakech fino a gennaio-febbraio 2020. L’inaugurazione è stata fissata per marzo come estensione della mia installazione monumentale Memorandum Of the Unknown Path al Teatro Royal de Marrakech, presentata nel programma pubblico della fiera African Art 1-54 2020. Una settimana dopo il mondo è andato in crisi. La nostra risposta è questo spettacolo.
Anche a bordo della mia storica concessionaria, agente e amica Janet Rady Fine Art, con una selezione selezionata da TRACES organizzata come sala di visualizzazione online di Artsy e dalla Fondazione Kebira di San Francisco, alla quale parte del ricavato sarà reindirizzata per aiutare gli artisti marocchini in isolamento.


5- Dove ha sviluppato il suo senso artistico in quale tecnica?

Se dovessi usare un cliché direi che vivere in esilio dopo la rivoluzione islamica iraniana del 1979 – volare su un volo PanAm per Roma una bella mattina a quattro anni – mi ha dato motivo di alzare la voce. C’è una tradizione di eccellenza nella mia famiglia, un amore incisivo per la scienza, la cultura e la storia che ho ereditato in seguito. Oltre all’educazione classica di mio nonno, l’atmosfera nelle case paterne è quella andalusa e poi a Marrakech è stata molto anni Sessanta, infusa dalla musica dei Doors e di Bob Dylan insieme alla forte letteratura del Novecento – Hemingway, Bukowski, Paul Bowles – il cinema neorealista italiano di Fellini, Antonioni o Ettore Scola e la poesia spirituale persiana di Rumi, Attar o Khayyam. Le mie polo ad olio erano esposte sulle pareti della villa e io prendevo i pennelli e mi mettevo al lavoro e appena tornavo a casa da Parigi.

6- Ci dica in dettaglio come nasce la sua ispirazione?

Picasso ha detto che la vera ispirazione viene dal duro lavoro. Nella mia mente è un filo, un treno di pensiero, un continuo esercizio di osservazione e di ricerca che coinvolge processi di intellettualizzazione, di concettualizzazione e di espressione del sentimento crudo.

7- Perché e come si avvicina il tuo spirito a questo modo di pensare?

Contemplazione, curiosità, voracità nel disordine!

8- In che modo questo momento influenza un’opera d’arte?

Quando mi metto a dipingere, è essenziale essere in sintonia con il mondo, radicati nel presente diretto ed es-temporizzato. La curatrice di NY e cara amica Lisa de Simone ha usato la parola jazz per definire il mio processo. Mi riferisco a come il jazz si evolve in forme, curve e costruzioni in movimento. In questo stesso modo, le mie forme sono in costante evoluzione e progresso.

9- La tua prossima presentazione/parlare?

In seguito, Janet Rady ed io terremo un live art-talk per discutere delle nostre passate e future collaborazioni multipiattaforma. Parleremo anche di TRACES VR & Augmented. Succederà sulla mia pagina di Instagram:@firouzfarmanfarmaian venerdi 4 dicembre @7pm CET/ 1pm ora del MIAMI.

10- Come la natura è integrata nelle tue opere…si ritorna alla natura attraverso le tue opere…

Il mio legame con la natura è la prima cosa più importante nella mia vita creativa. Il suo studio è una fonte di ispirazione senza fondo, di rigenerazione, di bellezza grezza. Le lezioni sono tutte da imparare.
Ritorno alla contemplazione del nostro pianeta all’inizio o alla fine di tutti i miei cicli, lavorando sulla crescita delle mie linearità, riflettendo sulla crescita delle mie filosofie. Ho attraversato una lunga fase di fascinazione per le formazioni rocciose geologiche legate al periodo post-glaciale. Quella fase ha preso le sue radici nei miei numerosi viaggi in Finlandia e a New York, dove gran parte della roccia visibile è stata modellata dal ghiaccio. Ho chiamato i primi studi Erratics come le rocce scolpite e trasportate per milioni di anni nel cuore dei ghiacciai. Questi studi sono diventati una collezione di importanti pannelli monumentali. La serie Organics, Season of The Land, Strata, Scrawls, Barks o Rivers of Heraclites, tra le altre, è arrivata a formare il mio segmento dell’Astrazione Organica. Alla fine hanno portato alla realizzazione delle mie forme attuali, che sposano l’esplorazione post-tribale e i simboli cosmogonici arcaici con le mie nuove linearità trovate. Ma sto anche esplorando la stampa in 3D e le estensioni della realtà virtuale. La natura e la tecnologia devono essere abbracciate per la transizione verso il nostro futuro.

11- Cosa stai cercando? E cosa vuoi per il tuo futuro?

Dobbiamo accettare una visione planetaria positiva per la nostra vita.

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